Mestres, Vencedores e Detractores

Saudoso regresso, este que enfrento. Nostalgia essa que invade uma sustenida palpitação, nesse adorno sonoro da humilde madeira a ranger. Deixo entrar luz no espaço, suspiro e retomo a actividade no salão. Limpo o pó, que abunda. E, desenfreado, sacudo um vinyl que ali pernoitou, noite após noite, perdido entre a desgastada protecção que a sua capa noutros tempos lhe prometera e o ar sujo e abandonado que o seu novo habitat tardou em apresentar. Contudo, constato que resistiu. Ao rude desarrumo. Envelheceu, do jeito que se quer. Sem perder a magia daquele primeiro acorde inesquecível, irreverente e impulsivo.

Soa música no espaço, abre-se o Café. O público espreita, desconfiado, do lado de fora. Sorrio, compreensivo, e agito-me até à porta. Peço lume, ao que não me negam. Apregoo o programa do dia e observo as reacções. Um misto de curiosidade e de receio – próprios do termo ‘cinema’. Dois fregueses voltam costas, cospem para o chão e afastam-se. Sorrio de novo, saúdo os restantes com um ligeiro toque no chapéu que herdei do meu avô e retiro-me para o interior. Regressa a azáfama. Preenchem-se as mesas. Saem cafés, chás, pastéis de belém. Pulveriza-se o ar com fumo e regressam as eufóricas gargalhadas dos jovens que brincam próximo do palco. Eu, anfitrião do convívio gerado, discurso do balcão. Agradeço a presença de todos. E saúdo a mais um aniversário do Royal Cafe, entretanto passado com a porta fechada. Agradeço novamente à presença de todos.

E dou início ao serão.

Mestres

Andava prometida uma análise profunda ao mais recente filme de P. T. Anderson – “There Will Be Blood“. Como não me pretendo alongar, e porque quero aproveitar a visita para comentar mais algumas obras recentemente vistas, fico-me pela reflexão em jeito de cabeçalho. “There Will Be Blood” é uma brilhante analogia ao passado recente da história norte-americana, em jeito de crítica metafórica. Isto é, partindo de um caso específico narrativo – a odisseia de Daniel Plainview em busca da fortuna petrolífera pelo solo norte-americano – P. T. Anderson lança-se numa crítica feroz à obsessão petrolífera que tem predominado na sociedade contemporânea. Constatemos os factos: Daniel Plainview não olha a meios para invadir território alheio e usa os artíficios que pode para cair nas boas graças populares – o uso que ele faz do adoptado filho para seduzir os proprietários dos terrenos; a história recente norte-americana fez-se de uma invasão territorial justificada pela posse ilegal de um suposto armamento químico que não tardou em confirmar-se inexistente – e o senso comum global reconheceu o infame pretexto para almejar algo mais. Daniel Plainview deparou-se, na sua odisseia, com credos religiosos distintos e “combateu” os obstáculos que estes lhe apresentaram – a crença promovida por Eli Sunday, o extremista pregador que dinamiza a mentalidade do povo; a invasão norte-americana promovida por distintos países do Golfo Pérsico motivou um choque cultural de crenças e originou uma oposição religiosa, dita extremista. A título de figuração máxima da metáfora, e porque isto vai em jeito de cabeçalho, no final do filme surge sangue, qual mensagem crítica relativa ao prenúncio de conclusão mais que esperada quando o assunto em questão se revela tão sério – a obsessão, no seu sentido literário mais puro, nunca será saudável. A obsessão petrolífera, no seu denominador comum, gera sangue. Infelizmente.

P. T. Anderson, cineasta máximo, explora subtilmente os terrenos da sua narrativa, sem nunca se deixar perder na crítica facilitista em detrimento da estrutura do filme e consegue aqui, a meu ver, um dos mais brilhantes exercícios cinematográficos da década. Pela mestria com que filma cada sequência (os dez minutos iniciais sem qualquer diálogo são fantásticos, ao melhor nível do estilo Sergio Leone), pela densidade com que explora os impressionantes personagens imortalizados por Daniel Day Lewis e Paul Dano (muita atenção a este jovem actor, é que só tenho visto coisas muito boas dele), pela composição do ambiente que as suas imagens criam em parceria com a música de Johnny Greenwood (membro dos Radiohead) e, acima de tudo, pelo virtuosismo com que manipula a sua linguagem cinematográfica em perseguição de uma crítica intemporal, primeiro, à natureza humana, e específica, em segundo, à história recente do povo que o viu nascer.

O quanto me regozijo cada vez que penso que P. T. Anderson desistiu de levar a cabo um curso de cinema logo no seu primeiro dia, porque um suposto professor lhe contrapôs o seu gosto cinematográfico. Coisas da vida.

Outro dado curioso prende-se com o passado de Quentin Tarantino. E também com a sua suposta falta de academismo. Ficou-se pelo clube de vídeo e não ingressou num curso de cinema. Pois. Afinal criticam-no porque ele copia muitas coisas de outros filmes e etc. Mas aos detractores já lá vou e, estranhe-se, não o vou fazer em relação ao cinema de Tarantino. Mas, para já, e porque a secção é de Mestres – “Inglorious Basterds“.

Sou fã de Tarantino há largos anos. Aliás, foi muito graças aos filmes dele que decidi ingressar num curso superior de cinema e inclusive explorar a possibilidade de algum dia vir a fazer cinema. Lembro-me de ver “Reservoir Dogs” com uns 8 ou 9 anitos e de sentir o estrondo que aquele filme para mim representou desde então. Obra máxima de Tarantino até ao momento, no meu gosto pessoal, e expoente máximo do cinema como arte em estado puro. Vibrei com “Pulp Fiction”, adorei a trama de “Natural Born Killers” (apesar de saber que ele próprio não gostou do filme que Oliver Stone criou - o que me deixou ainda mais curioso pelo guião original do filme), senti-me realizado ao ritmo de ”Jackie Brown”, gostei da loucura de ”True Romance” e de ”From Dusk Till Dawn”, compreendi “Kill Bill” e inclusive senti o suspense apalavreado de “Death Proof”. Ah, e delirei com o seu excerto de “Four Rooms”! Posto isto e compreendida a minha idolatração pela sua obra, e mais concretamente pela sua escrita cinematográfica (que reconheço poucos que se lhe comparem no feito), dá para perceber a minha ansiedade pelo seu novo e mais que aguardado capítulo, de seu nome ”Inglorious Basterds”. 

“Acho que esta pode bem ser a minha obra-prima.”, frase com que termina o filme, diz tudo. Eu também desconfio que tal aconteça. E que não o seja reconhecido nos próximos tempos. “Inglorious Basterds” é um filme novo de época, com uma abordagem revitalizante e inventiva, ou não estivesse em causa o génio de Tarantino. E o é também, a meu ver, uma obra máxima de cinema, à frente do seu tempo. Enalteço a sequência inicial (brilhante, brilhante), a sequência do bar na cave (e ainda assim tive pena que Tarantino não explorasse mais o pormenor dos personagens escritos nas cartas do jogo), a derradeira sequência que remete todo o mal para uma salvação cinematográfica, o humor dos basterds, a ironia do austríaco, as diversas homenagens à história do cinema (que vai do cinema de propaganda nazista, à mente aberta da nouvelle vague, ao western spaghetti de Leone, ao estilo noir, gangster, ao caso “Marlene Dietrich”, etc, etc).

Quentin Tarantino é um amante de cinema, ponto. E um mestre a renová-lo.

Vencedores

Vi o “Up” em 3D e senti-me uma criança de novo. Foi fantástico deixar-me levar numa aventura fabulosa a bordo de uma casa flutuante e viver um filme de animação como há muito não o conseguia fazer (já vai longe o mítico Fievel). Parabéns à Pixar uma vez mais por ter criado um dos melhores filmes de animação de sempre e elevar a audiência de Cannes (já o havia sido uma vitória o facto de preencher a programação da sessão inaugural da mais recente edição do mítico festival) e palmas aos seus criadores por, munidos da mais interessante ciência da animação da actualidade, não a deixarem sobrepor à narrativa – razão primeira desse mágico processo bilateral ao qual gosto de chamar cinema.

Palmas para Salaviza (para além da já recebida em Cannes), modestas, mas verdadeiras - as minhas. Fui a correr ao Arrábida, desesperado por conseguir entrar na sessão das 18:25 a tempo da visualização de “Arena“. Saí de Santa Catarina ao ritmo de Usain Bolt, entrei no Douro com braçadas semelhantes às de Phelps e subi a colina de Gaia na bicicleta que outrora foi de Vanessa Fernandes, disseram-me. Mas o carro era mesmo branco e o trânsito nunca pior. Entrei na sala e já o filme passava na tela. Sentei-me para amenizar a pulsação e entreguei-me às imagens. Cativantes, desde logo. João, se estiveres a ler isto, eu comecei a ver o filme a partir do momento em que o Mauro pede a um rapaz do exterior que lhe faça o favor de despejar o lixo, pela janela. Por não saber se perdi muito do filme, não pude tirar as devidas conclusões. Se estiveres a ler isto, por favor conta-me tudo aquilo que perdi para trás. Ou envia-me essa cópia…. Gostei bastante da composição da maior parte dos planos, da fotografia, do dramatismo e densidade da trama, dos personagens (interpretados de forma bastante convincente pelos respectivos actores), da cenografia (o carro no qual o puto ‘Alemão’ opera é digno de registo) e dos locais onde o filme foi rodado – serve tudo na perfeição a história que penso ter compreendido. Nota maior para a panorâmica vertical que culmina com a aproximação de Mauro a um dos jovens que o assaltou, numa das pontes dos singulares edifícios comunitários e da violência que a precede – seca, real, agressiva – que tão força tem pelo afastamento com que é filmada (boa manipulação do psíquico sensatorial do espectador, se é que o posso dizer). Gostei também do pássaro que voa no plano final, mas tenho receio de o comentar sem ter visto a parte inicial do filme (ou seja, a interpretação que lhe dei pode não ser a mais correcta). Parabéns João, boa sorte para o périplo de festivais que se adivinha e continuação de um bom trabalho. Pelo bem do cinema português.

Queria também deixar uma breve nota para Neil Blomkamp neste capítulo e para o visionário Peter Jackson. Ao primeiro pela excelente conquista que é a sua primeira obra “District 9” – abordagem renovada ao género Sci-Fi e excelente metáfora ao Apartheid revestida de uma temática “extra-terrestrial”. Ao segundo pela coragem que teve em apostar num projecto situado fora do mainstream e das paisagens centradas no coração norte-americano, desenvolvido por sul-africanos e com actores totalmente desconhecidos. Saiu a ganhar o cinema, com um excelente filme dotado de efeitos visuais acima da média e o próprio Jackson, já que o filme tem sido um sucesso de bilheteiras a nível global.

Detractores

Em jeito de despedida, e porque esta conversa não interessa assim tanto, queria apontar o dedo a duas situações específicas, mas não assim tão singulares:

- Reparei há dias num jornal que leio regularmente com apreço – “Ipsilon” – num depoimento de Joaquim Leitão, inserido num artigo sobre o cinema de Pedro Costa e sobre a reedição da sua obra “O Sangue”. Pois Joaquim Leitão confrontava gerações de cineastas portugueses, a sua e a que lhe precedeu (nomeadamente a de ‘60) e referia que nesta última havia ‘uma espécie de pureza. O facto de um filme ser exibido já era algo um bocadinho sujo’. Manuel Mozos, no mesmo artigo, diz a respeito do mesmo: ‘havia um lado, quase statement, de não se importarem que os filmes não fosses vistos’. E a essa geração digo ‘obrigado’! Obrigado por terem delegado essa mentalidade que não se mune mais do que de egoísmo artístico num povo que perdeu o interesse pelo seu cinema. Obrigado por imporem as vossas regras ao longo das últimas décadas no sistema de produção cinematográfica nacional, tão parco e infeliz em termos de títulos qualitativos. Obrigado por monopolizarem com essa filosofia demasiado autoral para ser saudável um programa de atribuição de subsídios preso a currículos esporádicos de personalidades que não fazem filmes para ser vistos e/ou produtoras que se vêem sobreviventes às custas dos mesmos. Salve-se o tempo e a nostalgia do passado. Salve-se a gente, que é outra. Assim o espero.

Não o entendam como um desabafo de um pretenso cineasta, mas sim de um jovem espectador e amante de cinema que bem tenta reconciliar-se com o cinema do seu país, sem sucesso. Tal como tantos.

Aponto igualmente o dedo aos detractores do costume - a maioria dos críticos de cinema portugueses. Não é meu costume pronunciar-me sobre tais opiniões e respectivas divergências de gostos que de forma natural se associam ao processo. Aliás, até sou daqueles que respeita a perspectiva dos outros de forma veemente e não me inibo quando se trata de fazer questão de o demonstrar. Contudo, porque hoje o capítulo é para isto, não me pode passar ao lado uma crítica que me entristeceu. Refiro-me à visão de L. M. Oliveira sobre o mais recente filme de Ang Lee, “Taking Woodstock” e à crítica elaborada pelo mesmo sobre a interessante abordagem que Lee fez a um dos maiores acontecimentos do século passado. Que não goste do filme, muito bem. Que contraponha as intenções de Lee e justifique com elementos do seu conhecimento e gosto pessoal, tudo muito bem. Agora, uma coisa que me marcou no seu texto: “até a lama é muito limpinha”?? É munido de argumentos como este que uma pessoa com o seu conhecimento cinematográfico se pretende debruçar sobre determinado filme e, assim, automaticamente influenciar inúmeros leitores que aos seus textos recorrem no sentido de buscar motivação para assistir a x ou y? Vocês, queiram essa faceta ou não, são ‘opinion-makers’ e, como tal, não seria nada mau medir algumas das abordagens a que o vosso elitismo forçado vos obriga. Porque, em sentido último, vocês são os primeiros a trabalhar a educação cultural do país e, muitas são as vezes, parecem teimar em esquecer que o cinema não é só um código intelectualizado que só tenha valor quando pretenda ou consiga superar as convenções do género a que se pretende. Também não lhe peço que em vez da lama que não era suficientemente suja, que fale sobre a homenagem que Lee faz a Godard no travelling que acompanha a mota ao longo da engarrafada estrada repleta de milhares de jovens festivaleiros (que só por si é visualmente impressionante e convincente – ao contrário da lama, como diz), tal como o francês havia feito em Weekend de uma forma semelhante. Não, não lhe peço isso. Mas acho que Taking Woodstock não deveria ser marginalizado como aparentemente está a ser feito pelos críticos de cá, só porque a forma como está filmado e contado é demasiado simpática para entrar nesses quadros elitistas que tão erradamente têm educado o nível cultural cinematográfico do cidadão português.

Felizmente o cinema, para mim, é muito mais do que isso.

Volto em breve. Obrigado pela presença.

Cem Posts de Solidão

É com a primeira tentativa forçada de enganar o cliente na história do Royal Cafe que inicio a celebração do 100º post. Isto porque, apesar da óbvia alusão do título ao magnífico romance de Gabriel Garcia Marquez, da história do Royal Cafe não reza o sentimento solitário.

Sei hoje, quase dois anos depois de ter aberto as portas do Royal Cafe, que a boa recepção da vossa parte a algum do conteúdo que aqui tem vindo a ser exibido/debatido me dá uma crescente força e vontade de manter o espaço saudável e espero que atractivo à vossa visita.

Passando aos números, o Royal Cafe abriu as portas no passado dia 17 de Setembro de 2007 e conta com um total de 19.368 visitas (até à hora em que comecei a escrever este post), tendo obtido no mês de Dezembro de 2008 o número máximo de visitas mensais com 1.629 visitas. O Post/Evento mais visitado até hoje prende-se, curiosamente, com o motivo principal da abertura das portas. Como é sabido, sou um adepto entusiasta da música de Zach Condon (aka Beirut, principalmente) e, admito, se hoje celebro o 100º post do blog, tal não seria possível se o fascínio que desenvolvi em torno da música de Zach não me tivesse dado a tal força extra que se prende com o acto de iniciar um blog. Contabilizando, o “popular” post ‘O Multicultural Zach Condon’ conta já com 3.481 visitas e 25 comentários oriundos de distintos pontos da comunidade ‘falante’ em língua portuguesa. Todos os dias continua a ser visitado por vários adeptos entusiastas da obra de Zach, o que não deixa de ser curioso o facto de este post ter ganho vida precisamente no dia em que abri as portas do espaço. É para mim uma enorme alegria saber que diariamente consigo fornecer uma sustentada dose de informação sobre o tema aos demais ‘peregrinos’ apaixonados pela obra de Zach. Posto isto, e em forma de celebração, vou dedicar este post a Zach Condon e a todos os seus demais seguidores, reforçando-o com uma agradável novidade sobre o mesmo.

É, acima de tudo, uma enorme honra e consequente orgulho para mim saber que uma ideia que criei, e cuja tenho vindo a desenvolver neste espaço, tem conquistado seguidores e, de certa forma, se tem tornado interessante para uma comunidade já mais ampla do que alguma vez imaginei ser possível. Obrigado a todos vós por me darem essa força necessária à constante manutenção e actualização de um espaço que se pretende lúdico. Espero que nos próximos 100 vos consiga agradar como o penso ter feito até hoje ou, simplesmente, corresponder às expectativas que a data histórica já obriga.

Assim, porque hoje é um dia festivo, queria divulgar junto de vós uma obra que me tem gerado uma agradável curiosidade.

“Paper Heart” é um filme de Nicholas Jasenovec e foi o grande vencedor do prémio do público de Sundance no presente ano. Como é já senso comum, Sundance tem uma relativa facilidade de lançar fenómenos no circuito de cinema independente mundial e, para não fugir à regra, “Paper Heart” aparenta ser um desses casos. Com o actor sensação de ‘Juno’ (o sucesso independente de 2008), Michael Cera e com uma aparente narrativa original – a comediante Charlyne Yi decide fazer-se à estrada com a ideia de filmar um documentário sobre a questão do amor e, após conhecer Michael Cera e Nick Jasenovec, pede-lhes ajuda para o desenvolver, todos eles interpretando-se a si próprios no filme – o filme estreia amanhã nos EUA e promete ser uma saudável sensação nas bilheteiras. Para mim, este é o mais forte candidato a sucessor dos conquistadores fenómenos independentes que foram “Garden State” em 2004, “Little Miss Sunshine” em 2007 e “Juno” em 2008.

TRAILER

WEBSITE

MYSPACE

Para todos aqueles que já estão com essa cara de desagrado a perguntar-se onde é que entra Zach Condon no meio disto tudo e onde pára a minha prometida novidade, sigam este link.

Eu estou curioso. Por Paper Heart e pelos próximos 100 posts. E vocês?

A Midsummer Night’s Post

Estive um tanto ou quanto afastado do Royal Cafe nos passados meses e não me orgulho disso.

Por outro lado, orgulho-me de algum do trabalho que se definiu prioritário nos últimos tempos e que, de certa forma, me ocupou a genica e iniciativa que até então canalizava para o desenvolvimento deste espaço. Criei um novo embrião que, ao que tudo indica, vai ver luz nos próximos meses – a rodagem do filme já está marcada e aguardo ansioso pelo resultado final do mesmo – e estou bastante satisfeito com o meu contributo para o mesmo. Pela primeira vez escrevi uma longa a partir de um tema que me foi sugerido e creio que, polindo-o à minha medida, lhe consegui dar uns contornos bem interessantes. Pelo menos consegui deixar-me ansioso, enquanto espectador, de ver em tela determinadas sequências que, com o contributo necessário dos actores, realizador e demais elementos técnicos, podem denotar uma certa espécie de magia cinematográfica. E isso, a meu ver, essa ansiedade propícia de jovem criador ‘babado’ (ou orgulhoso, em eufemismo) pelo seu trabalho, já é um bom começo. Ou, aliás, o começo exemplar. Nenhum criador deve sentir que a sua obra toma forma sem ir de encontro ao seu agrado e às desejadas emoções que provoca. Em simultâneo, é igualmente errado saber que a sua obra só lhe agrada a si. Ser verdadeiro consigo próprio. Nunca egoísta. A comunicação faz-se de forma bilateral. Pelo menos, falando de cinema.

Posto isto, e porque me tenho sentido em pertinente dívida para convosco, caros clientes e usuários do Royal Cafe, obrigo-me a actualizar-vos com algumas das experiências vividas nestes meses de Verão.

Estive um dia no Primavera Sound 09 e presenciei algumas das boas surpresas musicais do evento. Num dia em que os consagrados Bloc Party, Jarvis Cocker ou Bullet For My Valentine centravam a maioria das atenções, foi pelos diversos palcos constituintes do espaço Primavera (no aprazível Forum de Barcelona) que encontrei os pontos fortes da noite. Bem cedo cheguei ao clímax da tarde/ noite. E bastaram, para isso, apenas 3 músicas. Mas 3 músicas de Kitty, Daisy and Lewis não são só 3 músicas. Em jeito de showcase, o jovem trio de irmãos britânicos (acompanhados pelos seus pais e por um trompetista convidado), conseguiu reunir centenas de curiosos que, em poucos minutos, criaram a sua própria festa, swingando irresistivelmente aos acordes e melodias do carismático conjunto.

Deixo-vos uma imagem.

E o myspace.

Noutro palco, mais tarde, dancei entusiasmado com o rock envolvente e festivo dos The Extraorinaires. Soaram-me a uma espécie de Sublime meet Beach Boys meet Beatles meet Franz Ferdinand. Gostei bastante e recomendo vivamente.

Deixo imagens.

E o myspace.

A outra grande experiência da noite deu de seu nome Dan Deacon Ensemble. Um espectáculo impressionante de interacção com o público, de mutação rítmica e crescendos estrondosos, de impressionismo visual em palco (seja pelos dotes técnicos dos intérpretes ou simplesmente pela inúmera colecção de adereços e membros do Ensemble). Não conhecia o projecto, nada esperava dos mesmos. Saí maravilhado, completamente atordoado no bom sentido e rendido à verdadeira experiência que é uma actuação de Dan Deacon Ensemble. Aliás, recomendei-o de imediato a amigos próximos, dado que no dia seguinte actuaram no Serralves em Festa. Dan Deacon Ensemble não é uma promessa, mas sim uma certeza. Pura diversão garantida.

A melhor imagem que consegui, entre pelos arrepiados e coração a elevadíssimos BPM’s.

E o myspace.

Sinal positivo para Bat For Lashes, Bloc Party e The Pains of Being Pure At Heart. Nota de total incompreensão para Sunn O))) (e tive lá mais de meia hora a tentar perceber no que é que aquilo dava, sem sucesso).

Finda a boa experiência que foi ‘viver’ o som da Primavera (fiquei muito entusiasmado com futuras edições, dada a excelente montra de música alternativa que o festival apresenta), passo à enumeração de alguns álbuns que têm merecido a minha atenção neste verão de 2009:

- Os nossos Sean Riley & The Slowriders, com um excelente regresso em “Only Time Will Tell”;

- O senegalês Baaba Mal e o seu recém-editado “Television” (já me havia agradado a sua colaboração no projecto “One Giant Leap”);

- Os Ep’s e Myspace de Bark Cat Bark, jovem prodígio cidadão do mundo, que ao estilo de Zach Condon/Beirut, consegue criar as melodias mais interessantes da música folk actual;

- O sempre louvável regresso de Dave Matthews Band com “Big Whiskey And The GrooGrux King”;

- Patrick Wolf, com “The Bachelor”;

- Regina Spektor, com “Far”;

- Tony Allen, com “Secret Agent”;

- Rodrigo Leão and Cinema Ensemble, com “A Mãe”;

- Florence and The Machine, com “Lungs” e o fantástico single “Rabbit Heart (Raise It Up)” (que não me canso de ouvir em modo repeat).

Estes álbuns e mais alguns compõem a minha versão de “On The Road”, de Jack Kerouac, apaixonante livro que me tem acompanhado ao longo deste verão de 2009, emprestando uma banda-sonora mais actual à incrível road-novel que influenciou e “baptizou” a  invejável geração beat. Partilham também uma quota-parte na inspiração que me proporcionou chegar ao resultado final do já referido guião. Para mim não existe imaginação sem uma identidade musical que a acompanhe. Seja a ler. Seja a escrever.

Por fim, quero só deixar uma nota sobre os 3 últimos filmes que vi. Curiosamente, tratam-se de 3 filmes que me irão influenciar o estilo de escrita por muitos e longos anos, como filmes referência. E, igualmente curioso, são os 3 completamente distintos uns dos outros.

“Elizabethtown”, de Cameron Crowe (2005)

Gosto bastante da obra de Cameron Crowe. É um dos meus maiores modelos de guionista/realizador. “Almost Famous” e “Jerry Maguire” tocaram-me bastante, no seu tempo e “Elizabethtown” andava debaixo de olho há já algum tempo. Confesso que o início do filme até me estava a desagradar, em jeito de cliché desinteressante (excepto a voz off inicial que está bem conseguida) e de retrato de desespero gratuito e pouco convincente. Contudo, com o desenvolvimento do filme, observamos também uma criação de um humor muito próprio, muito subtil, muito negro e, consequentemente, muito interessante. A história de amor habitual cedo se desmistifica numa linguagem singular, informal e entusiasmante. A sequência da conversa por telefone entre Drew e Claire deambulará por muitos anos na memória do espectador, tal como a magnífica actuação de Susan Sarandon (que actriz gigante!) no memorial do falecido marido (que texto tão brilhantemente escrito e que emocionante cena tão bem conseguida – é mesmo o clímax do filme, exemplo de clímax que todos nós argumentistas buscamos incessantemente) e toda a música que Crowe justificadamente selecciona para a banda-sonora ajudam a tornar a visualização de Elizabethtown uma experiência comovente e inesquecível.

Como pequeno anexo queria só apontar um pormenor que genialmente sintetiza toda a mensagem do filme – O personagem de Orlando Bloom encontra, no final e após uma interessante road trip pela América profunda, a felicidade total junto da sua amada (Kirsten Dunst), na 2ª maior feira de agricultores do Mundo. Porquê 2ª maior? Porque os segundos são os primeiros dos últimos. Os primeiros dos fracassados. E o filme não é sobre um fracassado que, em situação de total desespero, encontra um motivo de felicidade? Pormenores que fazem a diferença. E tornam as coisas grandiosas.

Em “Cloverfield”, de Matt Reeves (2008), descobri outro pormenor igualmente interessante e igualmente genial.

Achei toda a experiência da sua visualização algo deveras interessante. Porque, de certa forma, inova em conceito (apesar de outras tentativas como O Projecto Blair Witch já o terem explorado) e em técnica. Mais em técnica, digamos. Porque “Cloverfield” fá-lo, arrisca uma invulgar linguagem cinematográfica, desafiando a predisposição do espectador. Mas fá-lo mesmo muito bem. Ao longo do filme eu só pensava que tudo tinha sido muito bem estudado neste filme. Todo o movimento de câmara, todo o jogo de actores, toda a acção que decorre repleta de CGI e, acima de tudo, todo o espectador. Porque é um risco colocá-lo em primeira pessoa, torná-lo parte da estratégia a que se propõe. Mas “Cloverfield” consegue-o tão bem, consegue ‘manipular’ o espectador através de uma suposta gravação amadora de handycam que, a determinado momento do filme, nós já nem nos damos conta do brilhantismo que engloba toda a criação do filme. E, na sequência em que os personagens atravessam de um prédio para outro que está torto e desnivelado do solo, o personagem que transporta a câmara ao longo de quase todo o filme coloca-a no solo e esta, automaticamente e dado o desnível do solo, desliza por si própria até esbarrar numa pequena pedra que a ampara e permite continuar apontada para o centro da acção. Mais uma vez, um pormenor técnico que abrilhanta o todo. Que passa quase despercebido, mas ajuda a resultar. E a perdurar. “Cloverfield” é uma experiência única de acção e interacção com o conhecimento comum cinematográfico do espectador, impondo uma linguagem inovadora e desafiando-o a viver uma experiência de uma forma mais realista. Conseguiu vingar no que se propôs. E, assim, torna-se uma referência na história do cinema.

Por último, e porque o vi ontem, “Sunset Boulevard”, de Billy Wilder (1950).

O que dizer desta obra-prima? O que dizer desta narrativa tão única e genial que se torna épica? “Sunset Boulevard” é um filme arriscado sobre a indústria de Hollywood (e do mundo do cinema, um pouco por toda a parte), lugar esse que vinga através das caras famosas e dos mitos que gera, em desprezo de inúmeros profissionais talentosos que dão tudo para que um filme se concretize e perdure (o contraste entre o fascínio que uma ex-glória do grande ecrã promove sobre os demais entusiastas pelo meio, e não só, e a festa dos “secundarizados” cargos técnicos do mesmo – guionistas, assistentes de realização e demais técnicos paralelos à fama e ao sucesso). “Sunset Boulevard” é uma atroz crítica ao glamour que Hollywood origina e à obsessão que os seus intervenientes obtêm com o passar dos anos, no confronto com o esquecimento (que triste foi observar Buster Keaton reduzido a desinteressantes jogos de Bridge entre esquecidas velhas glórias), uma análise ao poder material que o sucesso no meio origina e uma acusação aos prolíferos estúdios norte-americanos que, sem escrúpulos, desenvolvem uma gigantesca indústria doentia. A sequência final da escadaria é memorável, de negra e doentia, o famoso desejo de Close-Up de Norma Desmond é um marco na história do cinema, uma provocação inteligente a todos os espectadores que, por sua vez, são a razão principal da existência dessa indústria. “Sunset Boulevard” não se descreve. Vê-se e admira-se. Até porque, pelo meio de tudo isto, é um filme noir com um ritmo impressionante. E com diálogos memoráveis a la Billy Wilder.

Soube também este Verão que Cameron Crowe registou em livro 1 ano de entrevistas suas a Billy Wilder, de seu nome “Conversations with Billy Wilder”.  E, de forma natural, assumiu-se como o topo das preferências na minha listinha de compras.

Até breve. O Royal Cafe vai muito em breve retomar a sua programação cultural, com muitos e bons convidados.

Cumprimentos do Proprietário.

18 Segundos

“18 Segundos”, uma curta-metragem de Bruno Zacharías e Miguel de Olaso “MacGregor”.

Eu gostei. E vocês?

Parabéns João!

Parabéns João Salaviza! Parabéns equipa técnica e artística do “Arena”!

Não sei bem porquê, mas acompanhei esta edição de Cannes (à distância) sempre com um feeling diferente. Algo me disse desde o início que esta 62ª edição do mais prestigiado festival de cinema mundial seria diferente de todas as outras.

Por volta de dia 13 de Maio vi este excerto do Fotograma e admito que ganhei uma curiosa esperança:

Foi excelente para o pessoal de “Arena” ter o filme seleccionado entre as 9 curtas-metragens em competição deste programa de 2009.

Vencê-la, foi um feito histórico.

Nunca um cineasta português havia ganho a máxima distinção, seja de curta ou longa metragem, no festival de Cannes. João Salaviza conseguiu-o, com 25 anos, ao seu segundo filme.

Isto, senhores, são votos de esperança num futuro muito saudável da cinematografia nacional. Futuro esse cada vez mais próximo.

Com juventude, ambição. Irreverência, dedicação. Amor à causa. Ao querer fazer um filme para “provocar reacção no espectador”.

São dezenas de jovens criativos com muito talento, de Norte a Sul, Este a Oeste, meridiano a meridiano. Há por todo este mundo uma geração artística portuguesa com muita vontade de fazer.

É deixá-los fazer. Materializar as ideias. Aumentar as oportunidades.

Gostava de ver Portugal a aproveitar estes talentos.

De observar uma reconciliação do nosso público com a cinematografia nacional.

De avistar sinais de fumo de um novo movimento do cinema português. De jovens com boas ideias. E possibilidades para as concretizar.

E, acima de tudo, gostava de ver a notícia difundida no blog da Associação de Realizadores de Portugal.

Parabéns João! O ouro é teu!

Chicken Ala Carte

Chicken ala Carte, um filme de Ferdinand Dimabura.

Um momento para reflexão.

Web

O Post Que Descobre Um Trocadilho Entre Abril e Baril

(imagem de Henrique Matos)

Abril, Abril. Dia 25. Zero Nove.

Sinto uma estranha necessidade de escrever algo neste dia. Previsivelmente.

Sinto, também, a obrigação de celebrar este trigésimo quinto aniversário dizendo aquilo que me apetecer. Livremente.

Mas, acima de tudo, sinto uma enorme incapacidade de me expressar devidamente, tendo em conta a importância da histórica data e a minha parca experiência de todo o movimento que antecedeu a parada dos cravos.

Vivo, hoje, sob um delicioso fascínio de duas épocas distintas: Adorava ter testemunhado parte dos períodos monárquicos que enaltecem a amada história portuguesa – Assim de relance, era capaz de me imaginar sob cavalos, de espada em riste, soltando um corajoso grito patriótico, ou até a sudoeste, debatendo a estratégia além-mares com o nosso querido Infante, em busca de novos horizontes. No fundo, no fundo, sou apenas um turista com picos de imaginação. E demasiado ‘caguinchas’ até para montar a cavalo.

Contudo sinto-me muito mais perto de outro período, que igualmente me fascina. Os idos sessenta, a geração beat, a vontade de mudar, de assumir, de libertar. Movimentos estudantis, culturais, sociais. Inconformismo. Em Portugal, o espaço que antecedeu ‘74. Considero essa geração os heróis dos nossos dias. Foi uma luta diferente. A conquista do bom senso. A vitória dos nossos direitos. ‘Somos humanos ou somos dançarinos’, já diria o outro (creio que é a 2ª vez que parafraseio “os assassinos“  aqui no café).

Quero com isto dizer que, apesar de não me sentir à vontade para elaborar qualquer tipo de crónica referente à conquista dos cravos, dado não ter sentido nunca as alterações derivadas (eu nasci em ‘85), sinto que não devo deixar passar a data em vão, sem soltar um ‘viva!’ que seja. Quanto muito seja porque sou autor de um blog. E não consigo imaginar um blog em regime de censura. Aliás, questiono-me, será possível a existência de uma ditadura num país fortemente adaptado ao uso de internet?

(mais uma imagem de Henrique Matos)

Seja como for, eu acho que hoje, dia 25 de Abril de ‘09, nós, portugueses, devemos celebrar fortemente. Olhando para o nosso umbigo e perceber a nossa identidade. Com o devido orgulho. Porque há 35 anos efectuámos uma revolução onde imperou totalmente o Bom Senso. Soubemos alterar o cenário com compreensão total e mútua (ou pelo menos quase). Soubemos ter a liberdade de dar um passo em frente. Soubemos gostar de nós enquanto pátria, enquanto cidadãos e, acima de tudo, enquanto humanos. Não desrespeitámos o direito à vida, armados com cravos. E isso, esse episódio, essa diferença, essa vitória, digo-vos, foi absolutamente louvável e única.

Posto isto e porque é dia de nos sentirmos bem portugueses, reflectindo sobre aquilo que faz de nós um povo único e tão especial, sinto-me, sim, na obrigação de partilhar produtos nacionais. Ou pelo menos alertar para eles. Porque merecem a devida atenção. E porque, perante eles, sinto orgulho em ser português. Tal como um puto ‘tuga perante o histórico dia de ‘74.

E assim, hoje, vinte-cinco do quatro de zero nove, recomendo:

- O mega-projecto de Nuno Gonçalves, Fernando Ribeiro, Sónia Tavares e Paulo Praça – “Amália Hoje” – que apaixonadamente revisita alguns temas do legado de Amália Rodrigues, actualizando-os numa modernidade denotadamente POP. Os arranjos de Nuno são fantásticos, a voz de Sónia inconfundível como sempre e o facto de observar o vocalista de Moonspell a cantar bossanova denuncia uma certa aura que não consigo explicar. Deixo-vos o vídeo do primeiro single “Gaivota”:

O vídeo está igualmente muito interessante. Mais ainda se torna quando visto neste dia emblemático de Abril (descobri agora, acidentalmente, que a palavra Abril pode rapidamente tornar-se num trocadilho – “Baril” – conquistas de uma dislexia manual temporária). Para os mais interessados, podem ver um making of do álbum aqui.

O álbum chega às lojas no dia 27 de Abril (2ª feira).

- O projecto de Bernardo Fachada (B Fachada) dá à luz no próximo dia 30 o seu primeiro longa-duração – “Um fim de semana no pónei dourado” – e, pelas músicas disponíveis no seu myspace antevejo um álbum muito interessante. Eu já sigo a música de Bernardo desde os seus experimentais Ep’s caseiros e reconheço o grande passo em frente dado nestes novos temas. Ele é, muito provavelmente, o mais interessante cantautor nacional desta nova geração. Aguardo, assim, ansiosamente pelo álbum.

- Sean Riley & The Slowriders também têm um álbum novo. E o seu primeiro single avançado, “Houses and Wives”, estreou ontem no programa da Antena 3 “A Primeira Vez”. Eu não consegui ouvir, infelizmente, mas espero fazê-lo o mais breve possível. O seu álbum de estreia “Farewell” agradou-me bastante e fez-me companhia ao longo de todo o ano transacto. Vão estando atentos ao myspace deles, que o single deve estar a aparecer.

- No cinema, uma palavra para a estreia em solo nacional, mais concretamente no INDIE LISBOA ‘09, do novo filme de Ivo Ferreira – “Águas Mil”. Trata-se de um road movie português em torno da histórica data de ‘74. A sinopse entusiasma. O trailer também. Espero vê-lo em breve.

E assim se passa mais um aniversário.

Parabéns portugueses.

Parabéns Portugal.

Pitchfork Apresenta: Kevin Drew, Realizador

Kevin Drew, um dos fundadores do conjunto canadiano Broken Social Scene, realizou uma curta-metragem com Leslie Feist, Cillian Murphy e David Fox, intitulada “The Water” (em jeito de videoclip extenso sobre o tema homónimo de Feist).

A própria Feist descreve-a como uma espécie de conceito “Thriller” (ícónico videoclip do tema de Michael Jackson), embora sem dança zombie.

Produzida pela Revolver Films, esta curta-metragem de 15 minutos foi disponibilizada pela Pitchfork, numa apresentação especial, bem como uma entrevista com Leslie Feist e Kevin Drew, referente ao filme.

Eu gostei do que vi. Conto de fadas quase sem diálogos, com um suspense atmosférico a la Sergio Leone e, claro, uma música fantástica a embalar a emoção final. Fico com vontade de ver futuros trabalhos de Kevin Drew que aqui, em 15 minutos, demonstrou uma sensibilidade cinematográfica invulgar. E muito prometedora.

Podem ver a curta aqui.

E a entrevista aqui.

Mais uma excelente iniciativa da Pitchfork e, obviamente, dos seus autores. Parabéns de novo!

Miroir Noir: 1 Semana Grátis

Para todos os demais adeptos entusiastas daquela que considero a banda mais importante do novo milénio, comunico-vos que a Pitchfork disponibilizou o documentário experimental “Miroir Noir”, na íntegra, para visualização no seu website.

“Miroir Noir”, dirigido por Vincent Morriset e filmado por Vincent Moon, é uma experiência imperdível em torno das gravações do muito aclamado 2º álbum do conjunto canadiano – “Neon Bible”.

Tal como eu já o fiz, deliciem-se aqui.

Aproveitem, dado que a oferta só durará 1 semana.

Obrigado Pitchfork. Obrigado Arcade Fire.

Dia da Verdade

Porque hoje, dia 3, é o dia da Verdade, actualizo o blog em jeito de veracidade:

- Vi finalmente o “Estranho Caso de Benjamin Button”. É um bom filme, mas não me encheu as medidas de forma a que justificasse a conquista do Oscar. Boa história, boas interpretações, competente realização (a sequência do atropelamento é realmente notável). Cumpre, mas falta-lhe qualquer coisa.

- “In Bruges”. Nunca a visualização de um filme me tinha provocado tanta vontade de tornar a sua história numa peça de teatro. Senti-o desde o início, desde a relação entre os personagens, trama e cenário. E durante cerca de 2 horas de filme senti-me amiúde entre uma peça de shakespeare adaptada à realidade british gangster, com díálogos a la tarantino. “Porque preciso de ir lá acima para ver isto aqui em baixo? Já estou cá em baixo!”, diz o personagem de Colin Farrell a determinado momento do filme. E é entre diálogos estimulantes, personagens mirabolantes e sequências delirantes que decorre “In Bruges”, a primeira longa-metragem de Martin McDonagh (autor da curta-metragem vencedora de um Oscar em 2005, creio, intitulada “Six Shooter” e que na altura me havia deixado muito agradado com a sua visualização). Após visualizar “In Bruges” e sentir esse desejo de teatro, nunca antes denotado em mim, descobri a carreira consolidada que McDonagh tem no teatro britânico. E apreciei a fusão de formatos como nunca antes havia feito – distintamente da relação defendida pelo grande Manoel de Oliveira. É que, contrariamente ao que sucedeu com a visualização de “In Bruges”, nunca uma visualização de um filme de Oliveira me estimulou a adaptar a sua narrativa ao formato teatral. Excepto, talvez, a uma encenação de “Aniki Bóbó” em formato de marionetas, para uma sessão dedicada aos filhos que um dia terei.

- Vi também “Blindness – Ensaio Sobre a Cegueira“, finalmente. E, bem, acho que estive perante a obra cinematográfica mais poderosa de todo o ano de 2008. Poderosa em inúmeros sentidos, todo o filme é uma análise incrível à sociedade, conceito de comunidade e, acima de tudo, humanidade. Obviamente que grande parte da sua riqueza deriva da brilhante narrativa de Saramago – “Ensaio Sobre a Cegueira” é de facto uma obra literária singular pelas pluralidade de questões com que presenteia qualquer dos seus leitores – mas Fernando Meirelles conseguiu criar um filme fantástico, a todos os níveis. Só me deixou com pena de uma coisa - não poder assistir à sua versão original, de cerca de mais uma hora de filme. É que a relação entre o personagem de Danny Glover e Alice Braga tinha obviamente mais conteúdo do que aquele que é referido na versão final do filme, o “motim” que antecipa a evasão do local da quarentena ocorre quase sem a respiração devida, a solidão e angústia do personagem de Juliane Moore não obtém a relevância que se impunha. Meirelles é sem dúvida um realizador com um talento inesgotável, uma criatividade singular e uma genialidade épica. Pecou, quanto a mim, em desejar tornar este filme “mais agradável de ver” (talvez por imposições superiores – os financiadores têm sempre objectivos específicos), quando esta história nunca poderia ser agradável de ver. E a sua riqueza é essa crueza, essa crueldade omnipresente do ser humano em situação catastrófica, essa sujidade persistente, essa calamidade aparente. Que nos deveria obrigar a reflectir, do seu início ao seu fim. E nunca condenar. Saramago escreveu-nos aquilo que não queríamos ler, Meirelles mostrou-nos aquilo que não queríamos ver. Compreendo a sua pouca aceitação comercial. Não compreendo a sua subvalorização artística. “Blindness” foi, para mim (e dos que já vi), o melhor filme de 2008. Recordo a sequência do miúdo caminhando numa das salas do local da quarentena e que, para sua e nossa surpresa, se depara com uma mesa no seu caminho. Meirelles conseguiu, brilhantemente, fazer-nos viver o estado de cegueira a que o filme se propunha, criar-nos uma dor no estômago com a sua visualização e, consequentemente, colocar o seu filme num patamar atingível para poucos.

- Vi o “Marley & Eu” e gostei. É uma comédia deliciosamente irresistível que nos suscita a admiração e carinho pelos nossos animais de eleição, inerentemente associados à generalidade dos seres humanos. Quase todos sabemos o que é ter um best buddy em formato canino ao longo dos episódios da nossa vida. “Marley & Eu” capta na perfeição a presença discreta que um desses companheiros vitalícios aufere ao longo das nossas narrativas diárias. É uma surpresa agradável, um bom filme de família. Aos 20 minutos de filme pensei: «Pois, até aqui muito bem. Quero ver como agora, uma vez incorporado o cão no seio familiar, este filme se manterá interessante por mais 1 hora e meia.» E, para minha constante surpresa, a narrativa vai-se desenrolando no seio das peripécias familiares. É um filme repleto de amor, nada semelhante ao método “Beethoven” e bastante real. Nota de relevo para o guião e para a construção de personagens e situações pouco estereotipadas, com problemas reais, dificuldades reais, apesar da aparente história “pink dream”. Sinal mais para o personagem de Alan Arkin. Grande actor, grande  construção e caracterização de personagem. Nunca um director de redacção se me mostrou tão íntegro, original e ausente de prévio juízos de valor que inconscientemente fazemos perante uma comédia romântica. Esta não é uma dessas comédias românticas. Ou, aliás, é aquilo que uma comédia romântica se deve orgulhar de ser. Estimulante, interessante e, acima de tudo, emocionante.

- Já que falo de Alan Arkin, tenho de referir que revi também o grandioso “Little Miss Sunshine“. Que mais posso dizer sobre este filme? Fantástico, delicioso em todos os aspectos. Guião perfeito. Final perfeito. Personagens perfeitas. Cinema de altíssimo calibre. Humor cativante. Voltem Jonathan Dayton e Valerie Faris. Quero ver e rever os vossos próximos trabalhos. Poucos filmes me encheram as medidas como este o fez.

- Observei um showcase de Elvira na Fnac Triangle em Barcelona. Não conhecia até então. Simpatizei com o que ouvi. Têm sido poucas as surpresas que a música espanhola me tem pregado. (http://www.myspace.com/theelviraproject) Em jeito de verdade, afirmo que estou muito, mas muito mais entusiasmado com o panorama actual da música portuguesa. Felizmente. Quando chegará o dia em que afirmo o mesmo relativamente ao cinema?

- O penalty marcado ao Sporting na final da Carlsberg Cup não era penalty.

- A selecção portuguesa precisa de se reencontrar.

- Obama é realmente uma pessoa admirável e uma lufada de ar fresco no panorama cláustrofóbico que se impunha como uma névoa cinzenta escura sobre o mundo.

- Odeio vírus. Seja de quais tipos eles forem.

- O melhor da gastronomia espanhola é sem dúvida o cerdo ibérico.

- Nada me traz mais gratidão do que a honestidade.

- Porque raio desprezamos o dia da verdade e celebramos o dia da mentira? Creio que um dia de tranpsarência total teria efeitos catastróficos a nível global. Infelizmente.

Cumprimentos, voltem sempre. Esta semana teremos convidados em exclusivo para vocês. Para que se sintam em casa, aqui, no Royal Cafe.